Matt Cripps est le propriétaire et créateur de Cripps Pottery. Il est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université St. Thomas, d'un diplôme de deux ans en artisanat d'art : céramique du New Brunswick College of Craft and Design (NBCCD) ainsi qu'un certificat en pratique avancée en atelier du NBCCD.

Matt a travaillé comme assistant à la galerie 78 à Fredericton, comme coordinateur du centre de céramique à AX : The Arts and Culture Centre of Sussex, et a été président du conseil d'administration de CraftNB pendant trois ans. Sa pratique a été influencée par des résidences d'artistes, des stages, des mentorats et des expositions, ainsi que par des années d'expérience pratique en atelier.

Il travaille actuellement comme technicien dans l'atelier de céramique du NBCCD et continue de créer des œuvres céramiques fonctionnelles et sculpturales. Ses pièces se caractérisent par leurs surfaces tactiles, notamment des glaçures rampantes, et des formes organiques, reflétant son intérêt pour la matérialité, la texture et la beauté imprévisible de la céramique cuite à haute température.

Parlez-nous un peu de vous et de ce qui a suscité votre intérêt pour la céramique/poterie.

Mon intérêt pour la poterie n’a réellement émergé qu'après mes études universitaires. Après avoir obtenu mon diplôme de l'Université St. Thomas, j'ai commencé à travailler à la Galerie 78 à Fredericton. J’y ai rencontré des potiers et des céramistes, et j'y ai découvert des pièces qui m'ont vraiment intriguée, au point de me demander comment elles étaient fabriquées. J'ai alors décidé d’apprendre à en créer moi-même; j'ai postulé au New Brunswick College of Craft and Design, et dès le premier jour, j'ai vu un tour de potier pour la toute première fois. Le reste appartient à l'histoire.

Qu'est-ce qui vous inspire ou vous passionne en tant qu'artiste ?

Je suis fasciné par les textures. Tout ce qui présente une forme organique et une surface tactile m'attire. Je me retrouve souvent dans la nature, à observer de près les surfaces – rochers, bois, terre – et à examiner toutes leurs irrégularités.

Quel est votre processus créatif, de l'idée à l'œuvre achevée ? Pouvez-vous nous expliquer comment une œuvre prend vie ?

Lorsque je crée une œuvre, j'aime beaucoup travailler par essais et erreurs. J'essaie différentes choses, je pousse les matériaux au‑delà de leurs limites, je laisse les choses se développer naturellement. Au fil de cette exploration, je découvre souvent un ou deux éléments qui me plaisent vraiment, puis je recommence avec l'intention de recréer ces aspects organiques. Je réfléchis aussi toujours à la surface finale avant même d'y arriver. J'intègre presque toujours de la texture dans mon travail, mais à différentes étapes du processus. Si je sais que la pièce aura une finition très tactile, je dois m'assurer que la forme initiale complétera et acceptera la surface finale.

Comment gérez-vous les défis ou les imprévus qui surviennent pendant le processus créatif ?

On dit souvent que les potiers excellent dans l’art de gérer l'échec :  l’argile est trop sèche, impossible de centrer, une fissure apparaît, la poignée casse, la glaçure est trop fine, le four est trop chaud, etc. Travailler l'argile vous apprend la patience. Cela développe aussi la capacité de prendre du recul lorsque quelque chose ne fonctionne pas et à apprendre de chaque défis. J’aborde donc les imprévus comme des occasions d'apprentissage, puis je nettoie et je recommence. 

Avez-vous un style ou une technique caractéristique qui définit votre travail ?

J'utilise des glaçures tactiles qui sont complétées par des formes organiques.

Pouvez-vous décrire une œuvre [ou une série] dont vous êtes particulièrement fier et expliquer pourquoi ?

En 2019, j'ai créé une œuvre intitulée Merging Materials. Ce projet consistait à rechercher et récolter uniquement des matériaux locaux, ici au Nouveau-Brunswick. Il s’agit de deux récipients sculpturaux positionnés de manière à mettre en valeur l'espace négatif entre eux. L'un était fait d'argile que j'avais récoltée dans ma ville natale de Miramichi, et l'autre était fait d'argile que j'avais récoltée à Sussex, où je vivais à l'époque. 

Les pièces ont été recouvertes d'un vernis composé de quartz, de granit, de cendres et d'autres matériaux trouvés localement. L’œuvre fusionne ma pratique créative et ma vie personnelle en utilisant littéralement la terre de mon lieu de naissance et celle de mon lieu de résidence. Elle a été présentée dans l’exposition Atlantic Vernacular organisée par Gillian Dykeman et a également été exposée à la résidence du gouverneur à l'occasion de la proclamation de la Loi sur le statut de l'artiste. Je possède toujours cette œuvre, qui est exposée chez moi.

Comment votre formation et vos expériences ont-elles contribué à votre créativité et à votre innovation dans votre pratique artistique ?

Ma formation et mes expériences professionnelles ont joué un rôle important dans le développement de ma créativité et dans ma façon d'aborder la création. J'ai travaillé dans le secteur des arts et de la culture, autant dans le public que dans le privé, tout en développant ma propre entreprise créative. J'ai étudié l'art, l'artisanat et le design dans deux établissements postsecondaires. Comme tout cet apprentissage et ces expériences se sont déroulés au Nouveau-Brunswick, ma pratique a été profondément influencéepar la riche histoire artisanale de la province et par les personnes qui perpétuent cette tradition.

Je me suis également intéressé à l'art et à l'artisanat un peu plus tard que d’autres. Je suis d’abord allé à l'université pour étudier la musique, et ce n'est qu'une fois sur place que j'ai découvert la communauté artistique et artisanale. Ainsi, mes premières influences n'étaient pas les noms souvent cités dans les manuels scolaires, mais plutôt des artistes et artisans locaux du Nouveau-Brunswick, comme les Deichmann ou les Bobak. Ce qui m'a le plus marqué dans leur travail, ce n'est pas seulement la beauté des objets qu'ils ont créés, mais la façon dont ils ont établi des pratiques durables, collaboratives et ancrées dans leur communauté. 

J'ai modelé ma propre pratique de la même manière, en travaillant étroitement avec ma conjointe, Marlee, afin que ce que nous bâtissons ne soit pas l'œuvre d'une seule personne, mais un projet créatif partagé; un élément que je considère essentiel à ma pratique et ànotre succès.

Quel conseil donneriez-vous aux artistes émergents ou à quelqu'un qui débute dans la céramique/poterie ?

Fabriquez des tasses. 

N'ayez pas peur d'échouer. 

Demandez de l'aide.

Sortez de chez vous.

Au fil des ans, j'ai animé de nombreux ateliers pour des élèves de tous âges, et je leur dis toujours ceci :

Le meilleur potier du monde est peut-être assis seul dans son atelier, en train de créer le plus beau pot jamais réalisé – et personne ne saura jamais qu'il existe. Pendant ce temps, le potier qui vit de son art est souvent dehors : il rencontre des gens, crée des liens, apprend, partage son travail et se forge des opportunités.