Les expositions de photographies artistiques de Gary Weekes célèbrent son identité noire au Canada, son enfance au Royaume-Uni, ses dix années passées aux États-Unis et son rôle en constante évolution en tant que père de trois jeunes femmes extraordinaires. Il s'affirme fièrement comme un individu créatif qui ne se conforme pas aux stéréotypes imposés aux artistes noirs. Son art reflète sa personnalité, ses goûts, ses aversions, ses amours, ses haines et, en fin de compte, sa capacité (ou son incapacité) à engager le dialogue. En 2022, Gary est devenu le premier artiste noir du Nouveau-Brunswick à présenter une exposition solo au prestigieux Musée des beaux-arts Beaverbrook, où l'une de ses œuvres a été achetée et intégrée à la collection permanente. En 2023, Gary a reçu le Prix CBC Black Changemaker Award pour son travail communautaire. 

Gary s'est maintenant lancé dans la réalisation de courts métrages documentaires, ajoutant ainsi la cinématographie et la réalisation à sa liste croissante de réalisations. 

Actuellement, la nouvelle exposition solo de Gary, « Trayces », est présentée au Centre d'art de l'Université du Nouveau-Brunswick à Fredericton jusqu'au 27 mars 2026.

Gary est représenté par la Gallery on Queen.

Parlez-nous un peu de vous et de ce qui a suscité votre intérêt pour la photographie.

Je suis né en Angleterre il y a 60 ans et j'y ai vécu jusqu'à l'âge de 14 ans. Puis j'ai émigré avec ma famille aux États-Unis, où nous nous sommes installés dans le Bronx, à New York. Dix ans plus tard, je suis retourné en Angleterre, où j'ai rencontré la mère de mes trois merveilleuses filles (une Canadienne), et nous avons décidé de nous installer au Nouveau-Brunswick, au Canada. C'était là que vivaient ses parents, et à quelques heures de route de New York, où se trouvait ma famille.   

J'ai toujours été intéressé par les arts. J'ai toujours dessiné, griffonné sur les bureaux, jusqu’à créer mes propres bandes dessinées, puis j'ai progressé jusqu'à dessiner des pochettes d'albums sur le dos de vestes, ce qui était très à la mode à l'époque. 

Au lycée, j'ai choisi la photographie comme matière optionnelle. J'ai rapidement perdu patience à attendre que la peinture sèche, j'ai pris un appareil photo et je ne suis jamais revenu en arrière. Je prends donc des photos, sans intention professionnelle, avec un appareil photo depuis l'âge de 16 ans.

Qu'est-ce qui vous inspire ou vous passionne dans votre travail ?

Ce sont les défis qui m'inspirent lorsque je travaille. Rencontrer de nouvelles personnes, créer de nouvelles œuvres, en particulier développer de nouveaux corpus d’œuvres. Ce qui me passionne vraiment, c'est d'essayer de faire progresser cet art, car la photographie n'existe que depuis environ 200 ans.

Il y a toujours de nouvelles façons de voir les choses. Même si la technologie reste la même et que nous utilisons tous des outils similaires, nous pouvons commencer à expérimenter des moyens de compléter ces outils et de créer de nouvelles formes d'expression personnelle.

Je réfléchis constamment à ce que je peux faire et aux images que je veux créer. J'ai arrêté de regarder autant les images d'autres photographes et j'ai commencé à chercher « en moi-même » ce qui m'inspire. Mon inspiration prend différentes formes.

Pouvez-vous décrire votre processus créatif, de l'idée à l'œuvre achevée ? Pouvez-vous expliquer comment une photo prend vie ?

Mon processus comporte deux volets. La première partie consiste à prendre la photo, qui peut provenir de de tout : des personnes, des objets inanimés, des crânes d'animaux, des insectes, des médiums éthérés tels que l'huile et l'eau. J'ai déjà soufflé de l'air dans des tubes placés dans un aquarium pour capturer des bulles, ou utilisé des lumières sous-marines ou à fibre optique pour créer un effet dramatique et exploiter les différentes qualités de la lumière.

La deuxième partie est plus sculpturale, l'œuvre étant créée pour être exposée. Mon approche est toujours « la photographie avant tout », mais lorsque je crée, je crée un objet auquel l'œuvre s'entremêle, de sorte que l'objet et la photographie ne font plus qu'un.

Je n'ai jamais aimé que les gens retirent mes photos des cadres dans lesquels je les avais placées, alors j'ai arrêté d'utiliser du verre et j'ai commencé à travailler avec des matériaux atypiques. Aujourd'hui, j'imprime sur du métal, du tissu, du vinyle transparent et de la toile, et tous ces matériaux se retrouvent dans l'œuvre finale, complétant finalement les images que j'ai prises.

Quant à la manière dont une photo prend vie, lorsque je travaille avec des personnes dans un style documentaire, j'essaie de devenir invisible le plus rapidement possible, afin qu'elles se sentent naturelles en ma présence. Avec les portraits, il y a une communication tangible, un dialogue tangible, une interaction entre le modèle et moi-même.

Votre portfolio comprend une gamme de styles et de genres allant des beaux-arts aux travaux commerciaux. Y a-t-il un domaine ou un genre qui vous apporte le plus de joie ou de satisfaction, et pourquoi ?

Je traite mes travaux commerciaux et mes œuvres artistiques avec le même respect. Je ne conserve pas toujours et je ne les apprécie pas nécessairement autant après coup, mais lorsque je les réalise, j'y consacre le même soin et la même attention que pour mes propres œuvres.

J'essaie toujours de pousser un peu plus les limites de mon art, tandis que les travaux commerciaux sont « plus sécuritaires » et répondent aux besoins du client.

Les travaux commerciaux m'ont emmené dans des endroits où je ne serais normalement jamais allé. Dans le cadre des beaux-arts, il me faudrait des années pour accéder à certains espaces. Alors que si le client m'invite, il suffit d'un simple coup de fil pour que j'y sois.

Quel est votre équipement photographique préféré, celui dont vous ne pouvez pas vous passer ?

Il n'y en a plus un seul en particulier. J'ai atteint un stade dans ma vie où l'équipement n'est plus qu'un moyen d'atteindre mes objectifs, essentiellement un outil. Dans le domaine des beaux-arts, mon équipement (mes outils) change en fonction de l'histoire que je veux raconter.

Mais si je repense à mes débuts dans la photographie commerciale, mon équipement préféré était l'objectif macro Canon 100 mm f/2,8. Je l'utilisais pour les portraits, les animaux domestiques et les objets inanimés. C'était mon objectif de prédilection. 

En quoi votre expérience personnelle ou votre éducation ont-elles influencé votre travail ?

Oh, c'est une question importante, car, eh bien, je déteste parler de race, mais les enjeux liés à la race est un sujet important. Quand j'ai commencé, il y a 30 ou 40 ans, il n'y avait pas beaucoup de Noirs dans l'industrie. Ainsi, en ce qui concerne l'embauche pour certains postes, j'ai eu la chance de pouvoir franchir certaines barrières et d'être embauché pour ce que certains considéraient comme des postes « importants », mais qui ne correspondaient pas, selon moi, à ce que je pensais mériter à l'époque.

J'ai été élevé dans l'idée de ne jamais reculer devant quoi que ce soit. Si je voulais faire quelque chose, je me concentrais à fond et je le faisais. S'il y avait un obstacle à franchir, j'essayais généralement de l'enfoncer, ou du moins de frapper fort jusqu'à ce qu'on me laisse entrer.

Quels sujets ou thèmes vous intéressent particulièrement ?

Je n'ai pas de programme précis en matière de sujets et de thèmes, mais j'ai quelques histoires intéressantes en tête. L'une des histoires sur lesquelles je travaille actuellement s'intitule « Still Here » (Toujours là). Elle porte sur les familles noires du Nouveau-Brunswick. C'est un projet que je co-écris avec deux amis, le Dr Mary McCarthy-Brandt et son fils Thandiwe McCarthy. C'était l'idée de Thandiwe, et nous l'avons simplement développée.

J'ai toujours voulu réaliser un documentaire dans le style des photographes W. Eugene Smith ou Gordon Parks et suivre une histoire du début à la fin. Je suis quelqu'un de sociable et j'adore les histoires humaines. Je veux donc réaliser un reportage qui me permette d'aller dans un endroit et de déambuler dans les rues d'une ville ou d'un pays pour photographier les gens que je croise. C'est une sorte de photographie de rue, mais légèrement différente, ce qui correspond à ma façon de faire les choses.

Ensuite, je voudrais travailler sur une série de nus, mais là encore, j'essaie de trouver la meilleure façon de l'exprimer dans mon style personnel. Je recherche toujours l'originalité. Je cherche toujours à faire progresser mon art en étant aussi unique que possible, tout en conservant les traits d'un photographe techniquement compétent, plutôt que de devenir une nouveauté.

Pouvez-vous décrire une photo ou une série de photos dont vous êtes particulièrement fier et expliquer pourquoi ?

La série de photos dont je suis particulièrement fier est la première sur laquelle j'ai décidé de me donner à fond. Il s'agit de la série sur la boxe. J'ai pris ces photos vers la fin de la pandémie de COVID. Mon voisin (David Furneaux), qui est entraîneur de boxe et compatriote anglais, m'a laissé visiter sa salle de sport lorsqu'elle a rouvert. À cette époque, cela faisait peut-être dix mois que je n'avais rien fait de significatif avec mon appareil photo.

C'était la première fois que je mettais en pratique tout ce que j'avais toujours voulu faire. J'avais des sujets et je photographiais dans un style documentaire. Je suis retourné trois ou quatre fois en deux mois pour les photographier de différentes manières. Un jour, j'ai fait des portraits stricts, ce qui m'a amené à installer un petit studio dans un coin de la salle. Un autre jour, j'ai pris des photos dans une approche « fly-on-the-wall », en suivant l'entraîneur, David, pendant qu'il travaillait avec ses pads.

Mais c'est au moment de tout assembler que j'ai trouvé mon langage visuel. J'ai imprimé les images sur de la toile et j'ai passé le mois suivant à couper du tissu, à coudre et à coller le tout à l'aide de feutre, d'œillets et de corde pour donner l'impression que ces images avaient été découpées dans le sol d'un ring de boxe. 

Je pense avoir plutôt bien réussi, car mon travail a été accepté pour la réouverture du Musée des beaux-arts Beaverbrook, où il a été exposé aux côtés d'un autre de mes grands mondèles, Larry Fink, un photographe de renommée mondiale qui avait réalisé un travail similaire sur la boxe. 

Mon exposition de 2022 s'intitulait « Larry Fink contre Gary Weekes : les portfolios de boxe ». Mes œuvres étaient exposées dans un coin de la galerie, tandis que ses images se trouvaient dans l'autre, créant ainsi l'illusion que nous étions en compétition l'un contre l'autre... L'art imite la vie. 

C'était une sensation incroyable ! Ce sentiment que l'on éprouve grâce à l'appareil photo et à l'exposition qui en découle ne se produit peut-être que quelques fois dans la vie d'un photographe... si vous avez de la chance.

Comment gérez-vous les blocages créatifs ou restez-vous inspiré ?

Eh bien, je ne connais pas vraiment de blocages créatifs. Je souffre plutôt de moments où je ne veux pas faire quelque chose comme je l'ai fait auparavant, mais je réfléchis toujours à des choses à faire. Je pense toujours à deux ou trois projets à la fois.

En ce moment, j'ai une collection d'horloges. J'ai commencé à collectionner des horloges pour une raison quelconque, parce que j'avais envie de changer leurs cadrans pour y mettre des images. Jusqu'à présent, j'ai environ 20 horloges que j'ai trouvées dans des brocantes, toutes en train de tic-tac dans mon sous-sol, et maintenant j'essaie de trouver quelle sera l'idée. 

Quel a été votre plus grand succès et/ou votre plus grande erreur dans votre parcours d'artiste, et comment avez-vous évolué ou appris de cette expérience ?

Ma plus grande réussite a été de réaliser que tout ce que je fais, je le fais pour moi. Être mandaté pour travailler pour d'autres personnes est formidable, mais même dans ce cas, je continue à photographier les images que j'aimerais voir. Il était important pour moi de m'en rendre compte dès mes débuts dans la photographie. Dès que j'ai commencé à photographier de vraies personnes avec de vraies émotions et un vrai lien avec le spectateur, tout s'est mis en place.

Mes plus grandes déceptions viennent du fait que je ne suis pas assez concentré. Je me laisse facilement distraire, j’ai souvent déménagé, ce qui m’obligeait à tout recommencer.

J'ai travaillé comme photographe dans un immense studio photo du centre-ville de New York pendant trois ou quatre ans, mais j'ai ensuite voulu retourner en Angleterre. J'ai donc arrêté ce que je faisais, même si je commençais à me faire un nom, et je suis reparti « outre-Manche ».

En Angleterre, j'ai rencontré une Canadienne, je me suis marié et j'ai eu des enfants. Une fois de plus, je commençais à me construire une petite carrière de photographe, travaillant à temps partiel, réalisant des prises de vue et collaborant avec des clients incroyables. Puis j'ai arrêté parce que nous avons décidé de retourner chez elle, au Nouveau-Brunswick, au Canada, où j'ai dû repartir de zéro, sans aucun réseau pour m'aider ou me soutenir. 

Même si je suis très heureux là où je suis, je me demande ce que j'aurais pu accomplir de plus si j'étais resté à New York, si j'étais resté en Angleterre ou si j'avais commencé cette aventure au Canada environ 10 ans plus tôt.

En quoi le fait de vivre et de travailler au Nouveau-Brunswick vous a-t-il aidé ou inspiré dans votre parcours ?

Le Nouveau-Brunswick m'a permis d'éliminer les distractions.

À New York, les distractions sont légion. Les amis, la famille, les affaires, les divertissements, etc. Si vous vouliez vous évader et partir quelque part, vous trouviez très facilement quelque chose à faire. Il en va de même pour Londres.

Mais au Nouveau-Brunswick, surtout pendant les mois d'hiver, je reste chez moi à réfléchir à des idées pour le prochain tournage ou la prochaine aventure. Le Nouveau-Brunswick m'a donné le temps de me concentrer, ou la capacité de me concentrer, car je n'ai pas autant de distractions autour de moi.

Comment votre parcours d'artiste a-t-il évolué au fil du temps ? Y a-t-il eu des moments ou des expériences clés qui ont façonné votre façon de travailler et de créer aujourd'hui ?

Mon parcours de photographe a été lent et régulier. C'est cette lenteur et cette régularité qui m'ont permis de gagner la course. J'ai photographié tout ce qui me tombait sous la main, des objets inanimés aux animaux domestiques, en passant par les personnes, les bâtiments et tout ce qui vous vient à l'esprit. Si quelqu'un avait besoin d'une image, j'étais là pour la prendre.

En ce qui concerne les moments ou les expériences marquants, l'un d'entre eux a sans aucun doute été lorsque j'ai travaillé à la Tate Modern, où je photographiais les artistes qu'ils engageaient pour exposer dans leur magnifique bâtiment. Je me demandais comment j'en étais arrivé là, car j'étais un jeune photographe. Je voulais travailler pour des magazines, mais je ne le faisais pas beaucoup à l'époque. 

Ce qui me caractérise en tant que photographe, c'est que les hauts ne sont pas si hauts et les bas ne sont pas si bas. Cela fait partie de ma personnalité. S'il y a quelque chose d'important et que je le photographie, comme lorsque je suis venu à Fredericton et que j'ai travaillé dans la résidence du lieutenant-gouverneur ou à Ottawa, c'était quelque chose d'important, mais pour moi, c'était juste une autre chose à faire. Les moments forts n'ont donc jamais été incroyablement forts.

Décrivez ce dont vous êtes le plus fier dans votre carrière.

Je suis surtout fier que mon travail soit connu et reconnu. C'est ce que j'ai toujours voulu.

Une chose me vient à l'esprit, qui me laisse un sentiment mitigé : je suis presque certain d'être le premier artiste noir à avoir présenté une exposition solo au Musée des beaux-arts Beaverbrook en 62 ans d'histoire. 

Mais je me demande toujours : « Pourquoi suis-je le premier ? »

Parce que je ne suis ici que depuis 20 ans, et qu'il y a des artistes dans la province depuis des décennies, voire des siècles. J'en suis très fier, car cela ouvrira quelques portes à d'autres, mais je ne suis pas extrêmement fier, car je n'aurais pas dû être le premier.

À quoi ressemblerait votre projet de rêve ?

La liberté. Faire tout ce que je veux sans me soucier des budgets.

Mon projet de rêve consiste à revisiter ma vie — ma vie en Amérique, à New York, dans le Bronx — et à raconter cette histoire telle que je l'ai vue lors de ma première visite. Il s'agit également de revisiter ma vie en Angleterre, où je suis retourné à l'âge de 24 ans, et de raconter comment je la voyais à l'époque. Et puis les racines de ma famille à la Barbade, dans les Antilles, et trouver des moyens de raconter cette histoire.

L'objectif de ce projet sera de retrouver mon chemin vers trois endroits différents et de raconter les histoires qui émergent dans chacun d'eux.

Quel conseil donneriez-vous à un photographe débutant ?

Je dirais aux photographes débutants : travaillez dur. Soyez professionnels et profitez de chaque instant qui se présente à vous.

Il y aura des moments où cela ne marchera pas pour vous, mais il y en aura aussi où cela marchera à merveille. Si quelqu'un vous demande de faire quelque chose que vous ne voulez pas faire, restez sur vos positions et ne le faites pas. Parfois, faire des choses uniquement pour l'argent vous laisse un sentiment désagréable qui peut affecter d'autres opportunités.

Mettez-vous au travail et développez votre sens des affaires. Je lutte tellement contre cela, et c'est irréel que je fasse autant d'efforts pour ne pas être un homme d'affaires alors qu'il est si facile de le devenir. Gagnez votre vie et profitez-en. Vous devez trouver un moyen d'avoir une relation saine avec l'argent.