Audrey Arsenault, Aud Metal, est une orfèvre mi'gmaq originaire du nord du Nouveau-Brunswick/Première Nation Listuguj. Elle travaille principalement avec la technique ancestrale du ciselage et du repoussage du cuivre, un procédé qui consiste à marteler le métal à plusieurs reprises des deux côtés pour le transformer en motifs en bas-relief. Dans son travail, Arsenault s'inspire de la guérison et de la découverte de soi des femmes autochtones, en mettant l'accent à la fois sur le rétablissement physique et la reconquête spirituelle après un traumatisme culturel. Elle exprime ces thèmes en représentant les visages de femmes autochtones fortes aux côtés de motifs mi'gmaq et de fleurs sauvages locales. Chaque plante représentée est originaire de cette partie de l'île de la Tortue et a été historiquement utilisée par les peuples autochtones pour ses propriétés médicinales. Afin de renforcer le renouveau culturel, elle nomme chacune de ses œuvres dans la langue mi'gmaq, en voie de disparition, en mettant les titres au premier plan afin que cette langue ne soit jamais oubliée.

Arsenault a obtenu son diplôme en 2020 dans le programme de joaillerie/arts métalliques et en 2021 dans le programme de pratique avancée en studio du Collège d'artisanat et de design du Nouveau-Brunswick (NBCCD). Elle est diplômée de l'Université du Nouveau-Brunswick (UNB) à Fredericton en 2023 avec un diplôme en arts appliqués.

En 2021, 2022 et 2023, les œuvres d'Arsenault ont été présentées dans le cadre de l'exposition « Wabanaki Exhibition » au Yorkville Village de Toronto, en Ontario, organisée par la Gallery on Queen. En 2022, son travail a fait partie de Gallery on Tour/Tata, une collaboration entre la Gallery on Queen de Fredericton, au Nouveau-Brunswick, et la Ice House Gallery de Tatamagouche, en Nouvelle-Écosse. Elle a également participé à la résidence d'artistes Beneath the Surface 2022-23 dans le parc national Fundy.

Arsenault a reçu plusieurs subventions d'artsnb dans les catégories Création, Programme Equinox pour les artistes autochtones et Développement de carrière. En 2021, Arsenault a reçu le prix Acquisition Award du NBCCD, qui a ajouté sa série de quatre médaillons, Samqwan (Eau), Ugs'tqamu (Terre), Pugtew (Feu), Ugju'sn (Vent), à sa collection permanente. Ses œuvres Ethnocide (2021) et Na'gu'set (Soleil) (2022) ont été sélectionnées pour être acquises en 2023 par la collection d'art provinciale, CollectionArtNB. En 2024, son œuvre Taqawan – Young Salmon a été acquise par la collection permanente de l'Université du Nouveau-Brunswick.

Parlez-nous un peu de vous et de ce qui a suscité votre intérêt pour l'orfèvrerie, plus précisément pour le ciselage et le repoussé.

Je suis à moitié Mi'gmaq, originaire du nord du Nouveau-Brunswick/Listuguj, dans la région du Québec. Je vis maintenant dans le sud de la province avec mon partenaire et nos deux animaux de compagnie. Je travaille dans un petit studio à domicile qui dispose de tout ce dont j'ai besoin pour ma pratique artistique, à l'exception d'un chalumeau et d'une ventilation adéquate. Je loue donc régulièrement du temps dans le studio d'amis lorsque j'en ai besoin.

Enfant unique, calme et timide, j'ai grandi dans le nord du Nouveau-Brunswick et j'ai passé beaucoup de temps seule avec mon carnet de croquis, développant ma patience et mon calme grâce au dessin. Cet amour pour le dessin détaillé et réaliste a fini par se transformer en une passion pour le repoussé. Cela me permet de faire ressortir la lumière et les ombres dans le cuivre, transformant une surface plane en une image tridimensionnelle qui reflète à la fois mes expériences personnelles et mon héritage Mi'gmaq.

Qu'est-ce qui inspire vos créations ?

Mon travail artistique s'inspire des personnes qui vivent de manière authentique, celles qui ont guéri leurs propres traumatismes et qui prennent soin d'elles-mêmes et des autres. Je suis touchée par les mentors forts, la profondeur des connaissances culturelles transmises de génération en génération et l'utilisation traditionnelle des plantes que le Créateur nous a données pour nous guérir physiquement et spirituellement. Ce sentiment de guérison, d'attention et de résilience est toujours au cœur de mon travail.

Quel est votre processus créatif, de l'idée à l'œuvre achevée? Pouvez-vous nous expliquer comment une œuvre prend vie?

Mon processus est intentionnel et méditatif. Les idées naissent souvent de questions sur lesquelles j'ai longuement réfléchi. Je commence par esquisser et affiner mes créations à la main, puis je les redimensionne numériquement pour créer des pochoirs en papier. Je découpe et martèle le cuivre à la main, en planifiant soigneusement chaque détail, du perçage des points de fixation au façonnage, au ponçage et à la teinture du support en bois. Certains éléments en cuivre sont finis avec une cire à dorer vibrante, qui laisse transparaître l'éclat naturel du métal tout en ajoutant une touche contemporaine à cette technique traditionnelle. Une fois que tout est prêt, j'ajoute les fixations, j'assemble et je monte les éléments en cuivre sur la planche en bois. Pour terminer, j'expose souvent mes œuvres dans mon appartement et je célèbre cela en achetant un petit gâteau, que je partage parfois avec des amis, parfois juste pour moi.

Avez-vous un style ou une technique caractéristique qui définit votre travail ?

Oui ! Mon style caractéristique combine des portraits en cuivre ciselé et repoussé avec des fleurs sauvages, le tout monté sur un fond en bois noir. J'ajoute de la couleur à certains éléments en cuivre à l'aide de cire à dorer, ce qui apporte une touche contemporaine et vibrante à l'orfèvrerie traditionnelle. Cette combinaison de matériaux et d'images m'enthousiasme, car elle reflète véritablement qui je suis en tant qu'artiste et femme autochtone. Mes œuvres sont intitulées en langue mi'gmaq afin de renforcer la préservation culturelle et de maintenir la visibilité de cette langue dans les espaces contemporains.

Pouvez-vous décrire une œuvre [ou une série] dont vous êtes particulièrement fière et expliquer pourquoi ? 

Je suis particulièrement fière de ma récente série sur les fleurs sauvages — Siggw (printemps), Nipg (été) et Toqwa'q (automne) — car c'était la première fois que je réunissais tous les éléments qui définissent mon style actuel : le ciselage et le repoussé du cuivre, les fleurs sauvages, les fonds noirs et les couleurs subtiles obtenues grâce à la cire à dorer. Ce sont les premières œuvres qui m'ont vraiment donné le sentiment d'être les miennes. Tout en conservant les thèmes de l'identité et de la guérison, les fleurs sauvages m'ont permis d'exprimer ces idées d'une manière plus douce et plus optimiste. J'ai été tentée de garder cette série pour moi, mais j'ai finalement décidé d'inclure ces œuvres dans l'exposition Wabanaki 2025 de la Gallery on Queen.

Qu'est-ce qui vous passionne le plus dans votre pratique? 

Ce qui m'enthousiasme le plus, c'est de voir tout prendre forme après des mois de travail intense de repoussage et de ciselage. Tenir l'œuvre achevée entre mes mains, en sachant le temps, les efforts et le soin qui ont été consacrés à chaque détail, est incroyablement gratifiant. C'est cette excitation à l'idée du résultat final qui me motive à continuer.

Comment gérez-vous les défis ou les imprévus qui surviennent pendant le processus créatif?

Lorsque je rencontre des difficultés, j'essaie différentes méthodes pour trouver une solution. Si je commence à me sentir frustrée, je prends du recul et je m'accorde un moment de répit. J’effectue souvent des recherches en ligne ou je demande conseil à d'autres personnes. Parfois, je choisis d'accepter ce que l'on pourrait appeler des erreurs. Par exemple, lorsqu'un visage repoussé n'est pas parfaitement lisse, je laisse la texture telle quelle et je l'appelle « texture de peau ». Ce changement de mentalité transforme souvent les imperfections en accidents heureux et significatifs.

Quel a été votre plus grand succès ou votre plus grande erreur dans votre parcours d'artiste métallurgiste, et comment avez-vous évolué ou appris de cette expérience ?

Ma plus grande erreur jusqu'à présent a été d'en faire trop à la fois et de ne pas consacrer suffisamment de temps à ma pratique artistique. Un exemple frappant est celui de la résidence d'artistes Beneath the Surface en 2022-2023. À l'époque, je terminais ma dernière année d'université et je m'occupais d'un nouveau chiot peu après avoir perdu notre chien âgé. La résidence comprenait cinq jours de camping et d'exploration créative en groupe dans le parc national Fundy, suivis de plusieurs mois pendant lesquels chacun d'entre nous a créé sa propre installation artistique en plein air inspirée de cette expérience.

Malgré le chaos, j'ai réussi à créer une œuvre qui repoussait les limites, mais elle n'était pas exactement telle que je l'avais imaginée. Quelques jours supplémentaires auraient pu faire une grande différence. Beneath the Surface m'a offert une grande visibilité en tant qu'artiste émergente, et je pense que cela aurait pu déboucher sur d'autres opportunités si j'avais pu mener à bien mon projet. Depuis, j'ai appris à commencer mes candidatures et mes projets tôt, et à les intégrer dans mon emploi du temps hebdomadaire afin de les terminer à temps, voire en avance.

En tant qu'artiste métallurgiste mi'gmaq originaire du Nouveau-Brunswick, comment votre héritage culturel a-t-il influencé votre art ?

J'ai grandi loin de la branche Mi'gmaq de ma famille et je n'ai renoué avec elle qu'à l'âge adulte. Enfant, j'assistais à des pow-wow, mais je ne comprenais pas vraiment ce que signifiait être autochtone. Cette expérience de séparation, de renouveau et de guérison continue d'influencer tout ce que je fais.

Comment le fait de vivre et de travailler au Nouveau-Brunswick vous a-t-il aidé dans votre cheminement ou a-t-il inspiré votre cheminement?

Vivre et travailler au Nouveau-Brunswick a profondément influencé mon parcours artistique. Ayant grandi dans le nord du Nouveau-Brunswick, où les programmes axés sur les arts et les possibilités offertes aux jeunes étaient limités, j'ai passé la plupart de mon temps libre à créer seule. Ma communauté m'a reconnue comme l'une des rares artistes locales, ce qui m'a donné un fort sentiment d'identité et un but dès mon plus jeune âge. Je me demande parfois comment mon parcours aurait pu être différent si j'avais grandi dans une grande ville et fréquenté une école secondaire axée sur les arts. Dans un tel environnement, je me serais peut-être comparée davantage aux autres ou j'aurais eu moins confiance en mes capacités. Au contraire, le fait d'être ancrée dans une petite communauté solidaire m'a aidée à acquérir de la confiance et à développer une voix unique en tant qu'artiste, et j'en suis extrêmement reconnaissante.

Qu'avez-vous appris sur vous-même et sur la communauté artistique grâce à votre travail?

Grâce à mon travail, j'ai découvert à quel point ma voix artistique peut être puissante, en particulier lorsque je transmets des messages apaisants à travers des thèmes autochtones. Créer des œuvres d'art qui reflètent ma culture m'a montré à quel point elles peuvent toucher les autres, ouvrant ainsi la voie à la connexion, à l'éducation et à la réflexion. J'ai compris que toutes les perspectives comptent dans la communauté artistique et qu'il y a de la place pour chaque histoire. Partager la mienne m'a rappelé que raconter des histoires à travers l'art peut être une forme de médecine, tant pour moi-même que pour ceux qui en font l'expérience.

Comment votre parcours d'artiste a-t-il évolué au fil du temps? Y a-t-il eu des moments ou des expériences clés qui ont façonné votre façon de créer aujourd'hui?

À l'adolescence, je suis passé de dessins kitsch inspirés de la culture emo à des commandes pour des amis de la famille : des portraits réalistes de proches et des dessins de notre église locale et de notre centre communautaire destinés à des ventes aux enchères. Ma perspective a changé au NBCCD, où j'ai appris que le véritable pouvoir de l'art réside dans sa capacité à créer un changement social. Lorsque j'ai commencé à créer des œuvres qui faisaient référence à mon héritage autochtone, j'ai remarqué que ces pièces suscitaient beaucoup plus de réactions et d'engagement que tout ce que j'avais fait auparavant.

Ma série de quatre médaillons Mi'gmaq, créée dans le cadre de mon travail de fin d'études, a remporté le prix d'acquisition du NBCCD et a attiré l'attention de la Gallery on Queen. Ils m'ont invité à participer à leur exposition Wabanaki cet été-là, ma première exposition collective en dehors du collège. J'ai passé cet été-là en résidence artistique au NBCCD, où j'ai créé Ethnocide, une œuvre qui a suscité de vives réactions et qui a été acquise un an plus tard par la collection d'art provinciale, CollectionArtNB.

Ces expériences autour de l'obtention de mon diplôme du programme Advanced Studio Practice en 2021 ont façonné mon parcours. En explorant la narration culturelle et la conscience sociale dans mon art, j'ai commencé à guérir des parties de moi-même dont je ne réalisais pas qu'elles souffraient encore. Créer des œuvres ancrées dans mon identité mi'gmaq m'a permis de traiter des expériences personnelles et collectives, tout en invitant d'autres personnes à participer à cette conversation. J'ai appris que lorsque mon travail est fondé sur la vérité et l'expérience vécue, il résonne non seulement plus profondément, mais il devient aussi un espace de connexion, de réflexion et de guérison.

Décrivez ce dont vous êtes la plus fière dans votre carrière.

L'une des réalisations dont je suis la plus fière est que mon œuvre ait été acquise par la collection d'art provinciale du Nouveau-Brunswick, CollectionArtNB, avec le soutien de la Gallery on Queen. L'une des deux œuvres qu'ils ont achetées s'intitule Ethnocide et représente un enfant d'un pensionnat autochtone, une religieuse et un policier de la Gendarmerie royale du Canada tournant le dos aux deux autres personnages. Le fait qu'une œuvre traitant d'un sujet aussi lourd et douloureux ait été acquise par la province en dit long sur le chemin parcouru par le Nouveau-Brunswick pour reconnaître et assumer son histoire coloniale.

Quels conseils donneriez-vous aux artistes émergents ou à quelqu'un qui débute dans le domaine de l'orfèvrerie ?

Essayez tout et dites oui à toutes les opportunités qui se présentent à vous, surtout au début. Discutez avec des artistes de tous âges et de tous horizons : on apprend énormément rien qu'en discutant et en observant. Je recommande vivement le Collège d'artisanat et de design du Nouveau-Brunswick pour son corps enseignant, son personnel et ses programmes exceptionnels. Au cours de leur programme de deux ans en joaillerie et arts métalliques, j'ai été exposée à un large éventail de techniques, de la production de bijoux à la sculpture sur métal, ce qui m'a aidée à découvrir ce que j'aime vraiment. Au fil du temps, j'ai réalisé que je préférais créer des œuvres uniques plutôt que de me lancer dans la production de masse. Le programme Advanced Studio Practice m'a également donné des bases solides pour naviguer dans le monde professionnel de l'art : rédaction de demandes de subventions, expositions, résidences, etc.

Chaque artiste évolue constamment, et une partie du parcours consiste à trouver sa place. C'est normal, et c'est passionnant. Restez curieux, restez ouvert et continuez à créer.

Êtes-vous ou connaissez-vous un artiste professionnel du Nouveau-Brunswick qui crée des œuvres percutantes et novatrices? Nous serions ravis de découvrir et de partager vos histoires! Envoyez-nous un message à artsculturenb@gnb.ca.